Équilibre postural, décontraction, disposition d’esprit et gestion de la respiration.

Nous aborderons les problématiques de positionnement, de tonus, de stabilisation et de relâchement musculaire, de coordination, d’extensions et de déplacement, ainsi qu’un travail sur les combinaisons de doigtés, l’attaque, les techniques d’articulation de phrasé et la dynamique dans la réalisation d’une séquence musicale.

Aborder la partition comme un jeu de pistes destiné à révéler les évènements d’un récit. Identifier les « acteurs », leurs rôles, leurs interactions et leurs positions (mélodie, voix intermédiaire, basse…) Repérer les phrases, les motifs, les éléments de répétition, les cadences, etc. Investir le champs de l’oeuvre et affirmer un choix d’interprétation.

C’est un travail de façonnage de la matière et le choix d’une esthétique sonore. Il décide de la fluidité d’une phrase, de son articulation et de la mise en valeur de l’harmonie ; il permet également la résolution des difficultés techniques. 

Musicalité s’entend ici comme l’art de faire respirer la mélodie, de lui donner vie à travers le chant — voie naturelle par laquelle elle s’acquiert et se développe. Elle se manifeste dans tout ce qui sert le discours musical et sa mise en relief : courbe expressive, agogique, appuis, articulations, nuances, respirations, etc.

Situer l’oeuvre, son contexte historique et les règles stylistiques attachées au genre qu’elle emprunte.

Le répertoire de la guitare classique embrasse cinq siècles de tradition musicale. Il parcourt, avec la même aisance, les danses de cour de la Renaissance, les mélodies élégiaques des romantiques et les chants populaires d’Amérique latine. De la pièce la plus intimiste aux audaces des écritures contemporaines, ce répertoire, vaste et contrasté, est bien moins réservé à une élite qu’à celui qui veut bien y porter l’oreille. Chaque pièce s’offre à nous comme un monde de saveurs et de nuances à explorer.

Nous trouverons ici de généreuses mélodies, pleines de charme et de caractère aux rythmes syncopés, voluptueux, mélancoliques ou enjoués. Guarania, Vidala, Milonga, Tango, Vals, Choro sont autant de genres populaires, nés du brassage entre traditions indigènes, culture occidentale et influences africaines, qui ont inspiré de grands compositeurs et apporté un souffle nouveau dans le paysage musical international du 20e siècle. Je vous invite aux sources de cette tradition populaire qui détient les clés pour comprendre l’esprit et le caractère des œuvres savantes qu’elles ont nourries.

Je vous propose d’aborder le flamenco dans sa tradition orale, sans partition. L’apprentissage se fonde sur la compréhension des principes traditionnels propres à chaque style (Seguiriya, Soleá, Alegría…). Chaque style est exploré à travers son compás caractéristique, ses modes spécifiques (por arriba, por medio, taranta), ses séquences harmoniques et ses falsetas. Cette approche intègre la dimension culturelle du flamenco – son histoire, ses figures emblématiques, le rôle du cante, du baile et des palmas – ainsi que la maîtrise du toque flamenco avec ses techniques spécifiques : rasgueado, alzapúa, golpe, trémolo flamenco. L’objectif est de développer une compréhension authentique de cet art vivant dans toute sa richesse expressive.